Ella misma se define como artista visual. Cada una de sus piezas son una colección de preguntas personales, pensamientos visuales y redefiniciones del dibujo como lenguaje. Hoy hemos hablado con ella, con Elvira Palazuelos, sobre su obra, el sector del arte y la situación de la mujer dentro de este mundo.
¿Cómo descubriste el mundo de dibujar y cómo fueron tus primeros pasos en el mundo de las artes visuales?
Siempre he estado dibujando. Desde pequeña, plasmar sobre papel personajes, escenas y situaciones imaginadas ha sido para mí un medio muy natural de expresión, de disfrute y de muchas otras cosas. Cuando estudié Bellas Artes me interesé por la escultura, pero el dibujo siempre estuvo ahí.
Si tuvieras que explicar tus obras ¿Cómo las describirías?
Actualmente concibo todas mis piezas como dibujos, en su sentido más amplio. A veces desarrollo trabajos a gran escala para explorar los espacios que me rodean y plantear cuestiones en torno a ellos. Otras veces dibujo en pequeño formato para concentrarme en reflexiones más personales o para crear imágenes más íntimas. Empleo lenguajes muy variados: rotuladores sobre papel, collage, pintura, instalación, medios digitales…, y normalmente empleo mucho color. En todos los casos, mis procesos y resultados son redefiniciones del dibujo como lenguaje.
¿Qué intentas transmitir al público a través de tus pinturas, dibujos y vídeos?
Cada obra tiene su propia historia y su propio recorrido, aunque hay elementos que se repiten en todos mis proyectos. Quizás, la fragilidad de la percepción humana, y el modo en que esto afecta a nuestras relaciones con el espacio o el tiempo sea uno de los principales hilos conductores de
mi trabajo. Me gusta presentar al público situaciones visuales complejas, llenas de color, de detalle y de contrastes de escala, generar escenarios o superficies que puedan generar una especie de embrujo en la mirada.
¿En qué te inspiras a la hora de hacerlos?
A veces encuentro historias fascinantes casi por casualidad que me llevan a crear un proyecto. Este es el caso de mi trabajo “Fuensanta”, que desarrollé a raíz de un recuerdo familiar y de un balneario abandonado, o de “History/Sorry/Wisdom”, acerca del papel de la escuela como
herramienta de colonización en Canadá. En cualquier caso, diría que hay muchas otras cosas que me pueden inspirar, desde los colores de la ciudad o los caminos que recorro en mi día a día, hasta un papel arrugado, un sueño, una película, una canción, o el recuerdo de un cuento infantil. Me resulta difícil saber de dónde proceden los conceptos o referencias que manejo en ocasiones. Supongo que en el momento de crear todos mis intereses aparecen entremezclados.
¿Eres de las que te inspiras rápido o tardas mucho en encontrar lo que quieres transmitir?
Depende del momento, del contexto, y de muchos otros factores. A menudo un proyecto conduce al siguiente, aunque a veces puede tardar en materializarse, y otras veces puede surgir de repente.
Las imágenes, al igual que las palabras, son herramientas muy poderosas, ¿cuál es la imagen más poderosa que has creado en tu vida por el momento y por qué?
Por lo general creo en el poder silencioso de las cosas aparentemente frágiles e imperceptibles. Aunque parezca paradójico, diría que el dibujo más poderoso que he creado fue un pequeño boceto a rotulador sobre un papel cebolla doblado, prácticamente transparente. Lo realicé paseando por las calles de Londres, de manera bastante espontánea, dejando que la tinta traspasara el papel. Al desdoblarlo me di cuenta de que aquel apunte rápido se había convertido en todo un ensayo sobre mi percepción del espacio, en un registro de mi caminar por la ciudad, y en una serie de preguntas abiertas acerca de los límites entre la línea, el plano y la
tercera dimensión. No conservo el dibujo, y posiblemente nadie más sintió lo mismo que yo al observarlo, pero aquella pequeña experiencia plasmada sobre un papel extremadamente delicado tuvo el poder de cambiar para siempre mi manera de entender el dibujo.
¿Y a la que tienes un cariño especial y por qué?
Tengo mucho cariño a todo lo que hago y podría contar motivos muy emocionantes por los que recuerdo cada uno de mis procesos de trabajo. Además, me gusta compartir mis obras con personas a las que quiero y asociarlas a momentos de vida especiales. “Cómo alimentar a un pez de colores” es una pintura que regalé a un gran amigo, “Japan Throughout” y fue el resultado de un viaje a Japón para visitar a mi hermana, las ilustraciones que realicé para el proyecto “Distance Working” del grupo musical Entertainiment fueron el resultado de una colaboración artística
muy gratificante. Creo que es importante dejar que los afectos y las vivencias personales enriquezcan las obras.
Hemos visto que durante toda tu trayectoria has estado en varios países. ¿Crees que fuera se le da más valor al arte que en nuestro país? ¿Cuál es tu visión de las artes visuales actual en España? ¿Y más en concreto en Castilla y León?
Creo que el problema de base es que en España carecemos de una educación artística sólida, muy por debajo de la que se ofrece en los países nórdicos, por ejemplo. Los programas educativos españoles conceden un valor ridículo a las enseñanzas artísticas, tanto a nivel de carga horaria como en lo relativo a la actualización de los contenidos y a los recursos
económicos que se destinan a ellas. Esto se traduce en una sociedad con una baja capacidad para valorar y disfrutar de las artes. Existen indicadores muy claros. En países como Francia, la afluencia a los museos supera con creces la de España. En Castilla y León, en concreto, tenemos
grandes centros de arte contemporáneo que puedes visitar prácticamente en soledad. Solemos preguntarnos cuál es el motivo, pero a mí me resulta evidente. Si el arte se percibe como una distracción en vez de como una fuente de riqueza personal y comunitaria, si no se confía en los procesos creativos como una herramienta para reflexionar, para imaginar alternativas, para visualizar universos propios…, si no se educa en una sensibilidad ante las artes, ¿cómo vamos a esperar que la sociedad valore o muestre interés hacia las propuestas de los creadores?
¿Castilla y León apuesta por las artes visuales y todos los grandes profesionales que tenemos en nuestra tierra?
No me atrevo a opinar sobre la situación actual, porque ahora resido fuera de Castilla y León. Personalmente, me han surgido pocas oportunidades dentro de la Comunidad Autónoma, y por lo general no han llegado de parte de las instituciones ni han contado con grandes presupuestos o
apoyos. Al contrario, han sido apuestas independientes por parte de personas con mucha ilusión por sacar adelante proyectos a pesar de las dificultades externas. Me da la sensación de que en Castilla y León son necesarios más puntos de encuentro y más confianza institucional en el
potencial de los artistas locales.
El 60% de los estudiantes de Artes y Humanidades son mujeres, pero sólo el 3,7% de las obras que se exponen en las galerías y museos occidentales tienen firma femenina. Un ejemplo es ARCO Madrid de 2017, feria en la que apenas un 25% del total eran mujeres, y de las que sólo un 5% eran españolas. ¿Por qué crees que esto ocurre y cómo podremos resolverlo?
El problema está relacionado con varios factores. Para empezar está el legado del pasado y la invisibilidad que han sufrido las artistas, cuyo trabajo no ha sido suficientemente valorado, difundido ni estudiado. Esta discriminación histórica ha normalizado la desigualdad de género, haciendo que la escasez de obras de mujeres en los museos, galerías o ferias parezca
natural. Por otra parte, el sistema del arte está dirigido mayoritariamente por hombres, y responde a un funcionamiento machista que continúa infravalorando a las artistas. Por último, lo que sucede en el campo del arte es un reflejo de la situación que sufrimos las mujeres a nivel social en
todos los ámbitos. Creo que la solución está en exigir paridad en las programaciones y selecciones. Es inadmisible que las artistas no se encuentren representadas en las grandes ferias o museos cuando son mayoría en las universidades y su presencia sí es amplia en iniciativas
artísticas más pequeñas o recientes. El observatorio de MAV realizó un informe muy esclarecedor al respecto tras la semana del arte de 2018 en Madrid.
Además de esta visibilidad, el arte femenino se vende un 47 % más barato, ¿Podrías decirnos por qué crees que ocurre esto y cómo podremos resolverlo?
Esto es un argumento que se repite mucho para justificar la escasez de obras de mujeres en los circuitos comerciales. Pero el precio de una pieza depende de factores de mercado, de oferta y demanda, del reconocimiento que ha recibido la autora y de la capacidad de venta de la
galería. Para que el trabajo de una artista sea valorado a nivel económico, necesita haber gozado de oportunidades y visibilidad previa. No soy ninguna experta en mercado del arte, pero creo que una vez más estos datos reflejan un sistema discriminatorio que no toma en serio a las
mujeres.
¿Has tenido algún tipo de obstáculo por ser mujer en este sector?
He sentido y sufrido las adversidades para las artistas de manera constante desde mis inicios. A menudo no se trata de discriminaciones directas ni evidentes a primera vista, sino en la sensación de que no se va a contar contigo. Se percibe al escuchar las palabras de los jurados de convocatorias y concursos, al presenciar entregas de premios, al asistir a inauguraciones y al observar el papel secundario que se confiere a las mujeres en casi todos los ámbitos de las artes.
Como mujer, ¿qué perspectiva crees que aporta la mujer a las artes visuales?
Me parece que las artistas mujeres pueden ofrecer puntos de vista no hegemónicos, miradas, lenguajes y perspectivas distintas a las que acostumbramos a ver dentro de un campo que no se ha ocupado en difundir referentes femeninos. Las artes tienen la capacidad de mostrar
otras maneras de entender el mundo, de cuestionar la realidad y plantear cambios de normas. En este sentido, la obra de las mujeres resulta esencial.
¿Crees que tiene alguna ventaja ser mujer en la industria de hoy en día?
Se me viene a la cabeza el cartel de las Guerrilla Girls que enumeraba unas cuantas: “Trabajar sin la presión del éxito / No tener que coincidir con hombres en las exposiciones / Tener la oportunidad de elegir entre una carrera profesional y la maternidad / No tener que pasar por el bochorno de que te llamen genio…” . Al margen de la ironía, creo que al ser mujer puedes desarrollar una mayor conciencia y sensibilidad hacia las situaciones de discriminación en el mundo, y estar más atenta a propuestas desconocidas o infravaloradas a pesar de su calidad. También es gratificante comprobar lo que las mujeres pueden llegar a crear apoyándose entre sí. Creo que quienes más han defendido y confiado en mi trabajo en el mundo del arte han sido otras mujeres.
¿Qué consejo le darías a una mujer que este empezando en tu sector?
No estoy segura de poder ofrecer consejos valiosos. El arte es un camino personal y cada persona tiene que construir el suyo propio. Tal vez lo más importante sea mantener una actitud de constancia y aprendizaje continuo y no dejar que las dificultades, obstáculos, y pequeñas frustraciones te hagan dudar de lo que quieres seguir creando.